Le motif le plus poignant de Steven Spielberg est la nature de la croissance

Certains cinéastes font connaître leurs voix artistiques distinctives à travers des thèmes et des motifs narratifs qui se démarquent même parmi les œuvres les plus prolifiques. Aucune exception à cette tendance n’est le cinéaste le plus reconnaissable au monde, Steven Spielberg. Avec une carrière s’étendant sur près d’un demi-siècle, composée de 33 films, il y a très peu de choses que cette légende cinématographique n’a pas essayé ou mis un tampon, tout en utilisant et en explorant une poignée de nuances narratives particulières. Parmi les motifs récurrents les plus notables de sa filmographie figure l’exploration des expériences de l’enfance et de l’adolescence, et la manière dont embrasser ou transcender ces années de formation informe le parcours global d’un individu.

Alors que ses premières années en tant que cinéaste décrivaient souvent cette dynamique comme un facteur de motivation largement positif parmi les personnages de ses films, l’évolution créative de Spielberg a finalement commencé à voir une approche moins sentimentale du motif à la poursuite de prises de vue plus sombres et basées sur la réalité concernant le manières dont les gens réagissent aux luttes qui les confrontent et les façonnent en tant que jeunes. En prévision de Les Fabelmanqui semble être la méditation la plus directement personnelle et peut-être la plus révérencielle de Spielberg sur la nature de la navigation dans l’enfance et l’adolescence, voici un retour sur certaines des descriptions les plus poignantes et les plus variées du cinéaste d’expériences de jeunesse.

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Elliott, Michael et Gertie dans “ET l’extra-terrestre”

Le film fantastique de 1982 de Spielberg, HE, est son opus magnum relatif à la nature merveilleuse et imaginative d’être un jeune. En aidant un extraterrestre échoué sur Terre, le trio de frères et sœurs d’Elliott (Henri Thomas), Michael (Robert MacNaughton), et Gertie (Drew Barrymore) représente l’étreinte ultime de l’enfance et de la naïveté bienheureuse. Alors qu’ils reculaient initialement et brièvement dans la peur de la créature d’un autre monde, ils effleurent presque immédiatement leurs inquiétudes hésitantes face à l’inconnu. Les enfants évitent en outre d’apporter toute sorte de préjugés préconçus à la situation, réagissant plutôt avec un cœur plein de curiosité, d’empathie et de compassion. Contrairement à de nombreux autres films de Spielberg qui mettent l’accent sur l’expérience d’être un enfant, HE est son plus optimiste dans sa délectation d’innocence.

Pendant une grande partie du film, à l’exception de la mère du trio de frères et sœurs, Spielberg encadre les personnages adultes soit en silhouette, soit de la taille et du milieu de la poitrine vers le bas. Il s’agit d’une tactique de composition efficace pour les rendre anonymes et donner parfois aux téléspectateurs la perspective littérale des enfants, pour qui des figures d’autorité imposantes peuvent être assez effrayantes lorsque le monde lui-même semble si étrangement grand. Contrairement aux adultes du film, qui considèrent principalement ET comme une découverte céleste qui mérite une enquête, les enfants ne passent pas beaucoup de temps à considérer les implications plus larges de la présence de l’extraterrestre sur Terre, choisissant de favoriser et de développer une véritable amitié. C’est ce sens inhérent de l’innocence juvénile d’Elliott, Michael et Gertie qui leur permet de voir au-delà de la nature bureaucratique du tourbillon scientifique qui finira par s’abattre sur eux. L’esprit incorruptible des jeunes personnages du film est au cœur de ce que HE est sur le point d’illustrer l’idée que les enfants incarnent une pureté qui leur permet de voir le monde bien différemment de leurs homologues adultes blasés et cyniques.

Jim Graham dans “L’Empire du Soleil”

Empire du Soleil a vu Spielberg sous une forme relativement rare alors que le cinéaste commençait à s’écarter consciemment du matériel plus évasif et sentimental pour lequel il était connu auparavant, et poursuivait plutôt un sujet qui reflétait certains des éléments les plus amers et tragiques de la condition humaine. Contrairement aux enfants de HE et leur expérience est celle de Jim (Christian Bale) dans le film de 1987. Basé sur le roman semi-autobiographique de JG Ballard, l’histoire se concentre sur un jeune garçon anglais qui est séparé de ses parents au milieu de l’occupation japonaise de la Chine pendant la Seconde Guerre mondiale. Jim est déplacé d’une vie privilégiée et plongé dans une vie de désespoir en quelques jours. Il finit par être capturé par les troupes japonaises et placé dans un camp d’internement.

Au début du film, Jim est aussi naïf et enfantin que possible, rêvant souvent et fantasmant sur tout ce qui concerne l’aviation. Spielberg donne une fois de plus aux téléspectateurs la perspective parfois littérale d’un enfant, avec un accent particulier sur l’obsession de Jim pour les avions et la romance des pilotes. Cependant, une fois plongé dans le chaos de la guerre, il abandonne progressivement les tendances heureuses de la jeunesse comme moyen d’auto-préservation, apprenant finalement à se débrouiller seul et à faire ce qui est nécessaire pour survivre dans des circonstances difficiles. Cela est évident dans la façon dont il s’allie avec des personnes qui peuvent le bénéficier et le protéger pendant son inhumation dans le camp japonais. L’ingéniosité de Jim fait de lui un atout précieux pour les prisonniers adultes, et il est capable de convertir ces qualités en tactiques de survie.

Une fois que les Japonais se sont rendus aux Alliés, Jim retrouve ses parents, bien qu’il soit maintenant loin du fils qu’ils ont perdu des années auparavant. Contrairement à la représentation de l’innocence de l’enfance dans HE, Empire du Soleil dépeint un enfant qui subit une transformation spirituelle et perd cette innocence à la suite de forces extérieures. C’est un garçon qui a dû grandir rapidement, comme l’a déclaré Spielberg, “Cette histoire est probablement essentiellement plus sur la mort de l’enfance que tout ce que j’ai fait avant ou après.”

Peter Banning dans “Hook”

L’antithèse de l’expérience de Jim est celle de Peter (Robin Williams) dans Accrocher. Même si Peter est un adulte, l’idée de présenter la jeunesse et l’innocence comme des qualités perdues dignes d’être redécouvertes est au cœur du film de 1991. Ayant grandi et oublié ses expériences d’enfance en tant qu’emblématique Peter Pan à Neverland, Peter est devenu un avocat bourreau de travail et a perdu le contact avec ses enfants. Ce n’est que lorsqu’ils sont kidnappés par le vengeur Capitaine Crochet (Dustin Hoffmann) que le père lointain est forcé d’entrer en action, redécouvrant son esprit enfantin endormi comme un moyen de sauver les jeunes Jack et Maggie.

Alors que Accrocher est l’un des efforts les moins appréciés de Spielberg, c’est néanmoins un chapitre important dans la longue liste de titres du cinéaste explorant la nature de la jeunesse. La répression et la récupération ultérieure des souvenirs de Peter sont au cœur de ce sur quoi repose le film, renversant l’histoire de Peter Pan et donnant au public une vision révisionniste du matériel classique. Aussi spéculatif que cela puisse être, on ne peut s’empêcher de se demander si le dilemme auquel est confronté l’adulte Peter avait une résonance particulière chez Spielberg. En tant que l’un des cinéastes les plus prolifiques au monde, il n’est pas déraisonnable de supposer qu’en tant qu’homme très occupé à naviguer dans le monde impitoyable du show-business, il a peut-être eu des préoccupations similaires à celles de Peter concernant une préoccupation pour le travail et perdre le contact avec son enfant intérieur à un moment donné.

Frank Abagnale Jr. dans “Attrape-moi si tu peux”

Basé sur l’histoire vraie d’un jeune homme qui a fraudé des millions de dollars en se faisant passer pour un pilote, un médecin et un avocat tout au long des années 1960, Attrape-moi si tu peux est l’une des sorties les plus amusantes et aérées de Spielberg. Adolescent dont les parents se séparent (autre élément récurrent dans l’œuvre de Spielberg), Frank (Leonardo DiCaprio) la réponse de combat ou de fuite entre en jeu, et après avoir choisi ce dernier, il se lance dans une aventure de globe-trotter en réponse à une agitation intérieure. Bien que léger et divertissant, le film est à la fois empreint d’un sentiment de mélancolie et de chagrin dans sa description de la perte d’une unité familiale cohésive. Le jeune Frank, dans un sentiment récurrent d’optimisme, pense qu’il peut réparer le mariage brisé de ses parents et les remettre ensemble, en s’accrochant à un sens mal placé d’un vœu pieux pendant une grande partie du film.

Mis à part cet aspect de son voyage, une partie de ce qui rend l’aventure de Frank tout à fait observable est sa capacité à manipuler les adultes qui l’entourent. Jeune précoce utilisant un charme irrésistible comme monnaie d’échange ultime, il est capable de convaincre les gens qu’il est qui et ce qu’il prétend être. Considérant que l’imitation du comportement des adultes est une tendance courante chez les enfants et les adolescents, Frank ne fait pas exception et excelle à tromper un grand nombre de personnes au cours de plusieurs années. Sa ruse la plus impressionnante est peut-être lorsqu’il affronte Tom HankL’agent du FBI Carl Hanratty et, dans une improvisation rapide et brillante, convainc son aîné qu’il est en fait un agent lui-même.

A cet égard, Attrape-moi si tu peux voit Spielberg aborder l’adolescence et la maturation d’une manière qui lui permet d’avoir son gâteau proverbial et de le manger aussi. En prétendant être quelqu’un qu’il n’est pas, Frank offre aux téléspectateurs une série de moments qui le voient transcender sans effort son intérieur juvénile en fabriquant et en projetant un extérieur plus sophistiqué. Dans le même temps, cependant, son voile d’adulte glisse parfois en un clin d’œil, et nous nous rappelons soudainement à quel point il est vraiment jeune. Comme Jim dans Empire du Soleill’escroc se retrouve à vivre dans des circonstances où il doit à la fois maîtriser ses tendances juvéniles et afficher le type de comportement requis pour maintenir son auto-préservation dans un monde d’adultes.

David dans ‘AI Intelligence Artificielle’

2001 IA Intelligence Artificielle. retrouvait le cinéaste emblématique visitant le territoire narratif à travers les yeux d’un enfant. David (Haley Joel Osment), un robot étrangement réaliste qui aspire à être un vrai garçon, se lance dans un voyage qui mélange certaines des réalités les plus dures du monde avec des sensibilités fantaisistes de conte de fées. David espère atteindre la sensibilité au milieu d’une société future sombre où les robots sont traités comme des citoyens de seconde classe et en danger constant d’être appréhendés et détruits par leurs homologues humains. IA. voit le motif récurrent de Spielberg à son plus sombre, avec le jeune David apprenant de dures leçons sur l’humanité et, comme Jim et Frank, devant transcender l’innocence des yeux écarquillés de la jeunesse en faveur de l’autonomie et de la survie.

Au cœur du film et servant de motivation à David pour devenir un vrai garçon se trouve une notion intemporelle : l’amour d’un enfant pour sa mère. Après leur séparation sentimentale, David part à la recherche de la fée bleue pour devenir un vrai garçon. Alors que la partie médiane déchirante du film emmène David dans certains des endroits les plus sombres du monde et l’oblige à s’appuyer sur sa connaissance croissante de la condition humaine, ce sont les serre-livres avant et après qui donnent au film son cœur battant. Essentiellement une histoire d’amour entre David et Monica (Frances O’Connor), IA offre aux téléspectateurs une représentation sans vergogne de la tendre dynamique entre une mère et son fils dans toute sa simplicité. La conclusion du film est peut-être la plus efficace, qui voit une réunion brève mais merveilleusement sentimentale entre les deux personnages. Après que David se soit vu offrir l’opportunité de passer une dernière journée avec sa mère, lui et Monica partagent une série de moments légers et ludiques avant de s’installer pour la soirée et, vraisemblablement, de mourir. C’est l’une des conclusions les plus douces-amères de tout film de mémoire récente. David a peut-être été dans un terrier de lapin surréaliste de luttes et de difficultés pendant une grande partie du film, mais il est finalement récompensé pour ses efforts dans la recherche de l’amour de sa mère.

Chacun de ces protagonistes offre une perspective unique sur le motif récurrent du cinéaste d’explorer les expériences de jeunesse et comment elles affectent les gens individuellement. En tant que cinéaste qui a toujours maintenu un sentiment d’innocence et d’exubérance optimiste, même parmi certains de ses efforts les plus dramatiques et les plus matures, Spielberg a pu aborder les expériences de ses jeunes personnages sous divers angles et enrichir la compréhension des spectateurs de ces expériences formatrices. années en conséquence. Avec son film semi-autobiographique qui approche à grands pas, on ne peut s’empêcher de se demander si Les Fabelman se positionnera comme son œuvre phare sur la nature douce-amère de grandir.