Por Julia María Carvajal
El Museo Guggenheim Bc ilbao, abrió sus puertas el día 18 de Octubre de 1997, en un
emblemático edificio diseñado por Frank Gehry, la inauguración congregó en la pinacoteca
vasca durante varios días, a artistas, políticos, empresarios, y representantes del mundo de la
cultura, del más alto nivel. Se inauguró con la exposición “Los Museos Guggenheim y el arte
de este siglo” , en la muestra formada por una magnífica selección de más de doscientas
cincuenta obras del arte del siglo XX ,procedentes de los fondos de la Solomon R. Guggenheim
Foundation de Nueva York y de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, con obras
realizadas por los principales representantes del cubismo, futurismo, constructivismo,
expresionismo alemán y surrealismo, se dejaba constancia del modo en que estos movimientos
rompieron con los cánones artísticos tradicionales aún vigentes en el siglo XIX, creando las
bases para un nuevo lenguaje artístico desarrollado a lo largo del siglo XX. Algunos de los
artistas más importantes de principios de ese siglo estuvieron en la exposición, Georges
Braque, Constantin Brancusi, Marc Chagall, Fernand Léger, Vasily Kandinsky, Paul Klee,
Kazimir Malevich, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Joan Miró, Piet Mondrian, Pablo Picasso
y Gino Severini.
El origen de los Museos Guggenheim, actualmente con sede en Nueva York, Venecia, Berlín, y
Bilbao, es la colección de la Solomon R. Guggenheim Foundation que fue creada a finales de
1920 por el industrial estadounidense Solomon R. Guggenheim y su asesora artística, la
baronesa alemana Hilla Rebay. En un principio las adquisiciones se circunscribieron al arte
abstracto, posteriormente, fue ampliándose y a través de nuevas compras y donaciones, la
primitiva colección formada fundamentalmente por pinturas de Kandinsky, fue cambiando su
inicial criterio artístico hasta configurar la colección actual, que cuenta con unas siete mil obras
de arte del siglo XX de distintos artistas y tendencias.
La colección creada por el Museo Guggenheim Bilbao consta de ciento cuarenta y cinco obras,
de ochenta y un artistas, de las cuales treinta y nueve son de creadores vascos, y
complementa los fondos de la prestigiosa fundación neoyorquina, en la exposición permanente
se encuentran las obras de algunos de los artistas más representativos del arte de la segunda
mitad del siglo XX, como Eduardo Chillida, Anselm Kiefer, Willem de Kooning, Robert
Motherwell, Mark Rothko, Antoni Tàpies, Joseph Beuys, Ives Klein y Vasily Kandinsky.
En el Guggenheim Bilbao, algunas salas acogen obras de la colección, realizadas
expresamente para esos espacios por artistas contemporáneos europeos y estadounidenses,
como Francesco Clemente, Jenny Holzer, Sol LeWitt y Richard Serra.
En estos veinticinco años, la actividad de la institución vasca ha sido intensa, se han
celebrado doscientas quince exposiciones temporales, además de presentaciones de la
Colección Permanente, lo que ha permitido ver en sus salas más de dieciocho mil obras de
arte, alrededor de unas treinta y siete exposiciones temporales han superado la cifra de medio
millón de visitantes. En un recorrido por las exposiciones que a lo largo de estos cinco lustros
han habitado en las salas del Museo, cabe destacar algunas en orden cronológico:
En 1998 “China 5000 años” mostró cinco mil piezas descubiertas hace menos de cien años,
que por vez primera salieron de China, en una magnifica puesta en escena pudieron admirarse
los guerreros de terracota de impresionante presencia y enigmática procedencia.
En 1999 Chillida fue el invitado de honor, el propio artista, fallecido tres años después, acudió a
la inauguración, sus esculturas y sus gravitaciones llenaron de luz los espacios del Museo que
acogía con orgullo al artista vasco, uno de los mayores exponentes de la escultura del siglo XX.
La belleza etérea de “lo profundo es el aire” se quedó en el Guggenheim definitivamente.
En 2000 “Amazonas de la vanguardia” puso de manifiesto el decisivo papel que las artistas
Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Liubov Popova, Olga Rozanova, Varvara Stepanova y
Nadezhda Udaltsova desempeñaron en el arte ruso de vanguardia, respetando el carácter
propio e independiente de la trayectoria creativa de cada una de ellas, la exposición explicaba
la evolución del arte ruso moderno, desde el neoprimitivismo, el cubofuturismo y el rayonismo
hasta el suprematismo y el constructivismo.
En 2001 “Los mundos de Nam June Paik”,transformó el Guggenheim Bilbao para ensalzar la
figura en movimiento y su influencia en el arte del siglo XX, mediante instalaciones, vídeos,
emisiones globales de televisión, películas y performances, este artista consiguió modificar
nuestra percepción de la imagen temporal en el arte contemporáneo.
En 2002 “Paris, capital de las artes, 1900 – 1968” , durante la mayor parte del siglo XIX y casi
todo el XX, el titulo que ostentaba París como “capital de las artes” era indiscutible, la belleza
de la ciudad, su atmósfera romántica, su historia cultural, su política liberal, la convirtieron en
imán para artistas de todo el mundo, Pablo Picasso, Robert Delaunay, Marcel Duchamp,
Fernand Léger, Constantin Brancusi, Jean Dubuffet, Yves Klein, entre otros muchos,
protagonizaron la muestra.
En 2003 “Calder” llegó con sus atrayentes esculturas móviles, el propio artista lo expresó en
estas palabras: «¿Por qué el arte debe ser estático? Al mirar una obra abstracta, ya sea una
escultura o una pintura, vemos un conjunto excitante de planos, esferas, núcleos, sin
significado alguno. Sería perfecta, pero siempre es inmóvil. El siguiente paso en la escultura es
el movimiento»
En 2004 “Oteiza: mito y modernidad” fue la más amplia retrospectiva dedicada a este artista,
constante experimentador de técnicas escultóricas, que partiendo de las vanguardias del siglo
XX llega a dominar el vacío. “Variante ovoide de la desocupación de la esfera” es una de sus
obras testimonio de sus logros en la abstracción geométrica, que se encuentra colocada frente
al Ayuntamiento de Bilbao.
En 2005 “Imperio azteca” reflejó la etapa del siglo XIII al XVI conocida como posclásico tardío,
reunió una gran cantidad de objetos artísticos, elaborados por los diversos pueblos que
convivieron en aquella época. El lenguaje artístico azteca sirvió para comunicar historias,
adorar a sus deidades y llevar a cabo ritos producto de mitos y tradiciones. Esta muestra fue
una representación de la sociedad azteca desde sus orígenes hasta la culminación y el ocaso
de su imperio.
En 2006 “Rusia “fue la mayor exposición de arte procedente de la Federación Rusa nunca
antes mostrado. Las obras maestras del arte ruso desde el siglo XIV hasta el siglo XX se
agruparon por primera vez, desde las imágenes sagradas llamadas iconos, hasta las obras de
los pioneros de la vanguardia rusa representada por artistas como Natalia Goncharova, Mijail
Larionov, Kazimir Malevich.
En 2007 “Anselm Kiefer”, se ofreció una exposición antológica del artista alemán coincidiendo
con el décimo aniversario del Museo. Kiefer constantemente cuestiona en sus obras el lugar
que ocupa el ser humano dentro del cosmos, en una selección de sus piezas más simbólicas el
Guggenheim dispuso un espacio considerable para colocar la fascinante obra, “Las célebres
ordenes de la noche”, donde permanece formando parte de la colección del Museo, en esta
obra el propio artista se retrata a si mismo tumbado sobre la tierra, bajo un bellísimo
firmamento cuajado de estrellas.
En 2008 “Cy Twombly,” la literatura clásica y la historia ejercían una influencia importante en el
lenguaje y la creación de este artista, la obra en torno a la que se desarrolló la exposición, “
Nueve discursos sobre Cómodo” es una serie de nueve lienzos que no se pueden separar, fue
la primera serie concebida como una unidad por su autor. La historia y la crueldad se mezclan
en los lienzos. El Guggenheim Bilbao la adquirió para su colección.
En 2009 “Cai Guo Qiang: quiero creer”, los espectadores se sorprendieron con esta
retrospectiva del inclasificable creador chino, que se inspira en teorías y tecnologías, la
mitología antigua, la historia militar, la cosmología taoísta, los avistamientos de extraterrestres,
las tácticas revolucionarias maoístas, la filosofía budista, la pirotécnica. La representación se
proyectó en cuatro escenarios, dibujos realizados con pólvora, instalaciones, proyectos de
explosiones, y proyectos sociales.
En 2010 “Anish Kapoor”, la obra “El gran árbol y el ojo” fue instalada en uno de los estanques
del Museo como parte de la exposición del artista indio, pero el Guggenheim Bilbao decidió
comprarla e incorporarla a su colección permanente, compuesta por ochenta esferas de acero
inoxidable, colocadas en un equilibrio sorprendente, e instaladas sobre tres ejes, la escultura
genera un juego de reflejos donde la compleja utilización de la luz y las sombras, del volumen y
del espacio, hacen pensar en la irrealidad de lo visible, aunque es una escultura de grandes
dimensiones y cuya estructura es compleja, aparenta ser un objeto ingrávido y delicado. El
reflejo del edificio y el tránsito de la gente provocan bailarinas efigies por las redondeadas
superficies pulidas, que evocan la naturaleza fugaz de la apariencia de las cosas.
En 2011 “Brancusi / Serra”, Richard Serra, autor de “La materia del tiempo” que es otra de las
obras emblemáticas de la colección permanente del Museo y única en el mundo, junto con
Constantin Brancusi, llegaron al Guggenheim con una selección de aproximadamente treinta
esculturas de cada uno de ellos, mostradas en grupos temáticos, se pretendía explorar en el
efecto producido por los diferentes materiales que emplean, el mármol, la madera, el cemento,
el yeso o el bronce en el caso de Brancusi, el acero, el caucho, el plomo o los tubos de neón
en el de Serra. La presentación se realizó en parte de forma yuxtapuesta, y también dedicando
espacios individuales a cada uno de ellos, para descubrir así sus similitudes y diferencias.
En 2012 “David Hockney”, el artista británico vistió las paredes del museo con sus apasionados
paisajes inspirados en Yorkshire, condado en el que nació, casi doscientas obras, óleos,
carboncillos, dibujos realizados con iPad, cuadernos de bocetos y vídeos digitales compusieron
la muestra. La exposición proyectó una visión única del universo creativo de Hockney, tanto su
gran capacidad para representar la naturaleza a través de diferentes técnicas, como su relación
emocional con el paisaje de su juventud quedaron patentes, para deleite del público.
En 2013 “El arte en guerra. Francia 1938-1947: de Picasso a Dubuffet». fue un recorrido por la
producción artística en Francia durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación nazi, época
en la que los creadores se rebelaron contra la represión y la escasez de medios para
desarrollar su trabajo, a través de quinientas obras de más de cien artistas, entre los que
estaban Pablo Picasso, Henri Matisse, Pierre Bonnard, Marc Chagall, Vasily Kandinsky, Jean
Fautrier, Alberto Giacometti, Marcel Duchamp, Georges Braque, Jean Dubuffet, se demostró
que a pesar de las circunstancias, el arte prevaleció sobre la barbarie.
En este mismo año el Guggenheim Bilbao albergó una exposición dedicada a Antoni Tápies
que analizaba en profundidad, siguiendo un criterio cronológico, durante cuarenta años de
producción, la obra del artista, pintor, escultor, y teórico, uno de los principales exponentes del
informalismo. Fue un emotivo homenaje al artista catalán, fallecido un año antes.
En 2014 “Braque / Ono” , más de seiscientos mil espectadores de estas dos exposiciones,
hicieron que ese año se llegara al millón de visitantes. “Yoko Ono. Half-A-Wind Show” mostró
unas doscientas obras, dibujo, poesía, cine, música, instalaciones de video y performances,
realizadas desde mediados de los años cincuenta hasta la primera década de los años dos mil.
La exposición dedicada a George Braque abarcaba todas las etapas de su trayectoria artística,
desde sus inicios en el fauvismo hasta sus últimas series dedicadas a los talleres, los pájaros y
los paisajes de Varengeville.
En 2015 “Jeff Koons”, el autor de Puppy, el entrañable perro de flores que se ubica delante de
la entrada al Museo, ha desarrollado un trabajo singular, inconfundible e innovador, que le
convierte en una de las grandes figuras del arte de nuestro tiempo, influenciado por el
Surrealismo, el Pop Art y el Dadaísmo, Koons posee un estilo único, en sus piezas conviven en
armonía conceptos en principio antagónicos. Su obra es un espejo de su propia personalidad,
utiliza el arte como revulsivo, como motor para el cambio social.
En 2016 “Louise Bourgeois” creadora de “Mummy” (Mamá), la araña de casi nueve metros de
altura situada en la parte posterior del Guggenheim, es una de las esculturas más ambiciosas
de Bourgeois y pertenece a una serie inspirada en los arácnidos, como un homenaje a su
madre que era tejedora, pone de manifiesto la duplicidad de la naturaleza, la madre es
protectora y depredadora al mismo tiempo. La araña utiliza la seda tanto para fabricar el capullo
como para cazar a su presa, esta ambigüedad se ve intensamente plasmada en el enorme
insecto que se sostiene sobre unas patas semejantes a arcos góticos, que son al mismo tiempo
jaula y guarida protectora de una bolsa llena de huevos adheridos a su abdomen. La artista
convierte esta singular figura en una metáfora de nuestra existencia. En la muestra, en las
salas del Museo, se pudieron contemplar junto con sus originales formas escultóricas, sus
magníficos dibujos y su personal obra gráfica.
En 2017 “Viola / Baselitz” en el vigésimo aniversario, el Guggenheim desarrolló una ambiciosa
programación, desde los protagonistas de las vanguardias de fin del siglo XX hasta los
máximos exponentes del expresionismo abstracto americano, pasando por figuras clave del
arte moderno y contemporáneo, como el estadounidense Bill Viola y el alemán Georg Baselitz..
Viola, pionero en el empleo del vídeo y en la exploración de la imagen en movimiento, investiga
de manera figurativa y literal las etapas de la vida, la muerte y el renacimiento, recurriendo a
elementos primarios, como el fuego y el agua. Sus instalaciones, algunas monumentales y
sofisticadas tecnológicamente, están vinculadas a la historia del arte, y abordan conceptos
como la percepción o la espiritualidad. De Baselitz, provocador impenitente, se pudo ver la
impactante serie de “Los Héroes”, figuras aterradoras, de seres atormentados, imperfectos y
vulnerables, al modo de una deconstrucción surrealista, feroz denuncia del horror de la guerra y
precursoras de sus pinturas volcadas.
En 2018 “Colección Thannhauser”, el marchante alemán de arte, Justin R. Thannhauser,
consiguió una magnifica colección con obras de grandes artistas, arriesgándose a apostar en
su momento por los nuevos estilos que llegaban a finales del siglo XIX y principios del XX, el
modernismo de Edouard Manet, el impresionismo de Paul Cezanne y Claude Monet, el
apasionado postimpresionismo de vibrantes colores de Vincent Van Gogh, y también por
rompedores del arte académico como Pablo Picasso.
En 2019 “Giorgio Morandi”, en la muestra “una mirada atrás” se analizó el papel que
desempeñó la pintura de los Maestros Antiguos en la producción del artista italiano, uno de los
pintores de naturalezas muertas más innovadores del siglo XX, la teatralidad del Siglo de Oro
español, el naturalismo del Seicento italiano y la intimidad que Chardin imprimió al mundo de
los objetos cotidianos, se encuentran en las enigmáticas composiciones que realiza Morandi de
botellas, floreros y cajas, logrando una aparente sencillez y una delicada impresión de
inmaterialidad.
En 2020 Kandinsky y Krasner
La historia de Vasily Kandinsky está íntimamente vinculada a la de la Solomon R. Guggenheim
Foundation de Nueva York, su fundador, el industrial Solomon R. Guggenheim comenzó a
coleccionar obra de Kandinsky en 1929, cuando conoció al artista que era entonces profesor en
la Bauhaus de Dessau, escuela de arte y diseño con la que compartía su convicción de que el
arte es capaz de transformar al ser humano y a la sociedad. En las obras de Kandinsky el color
y la composición sustentados en formas geométricas, crean un lenguaje universal que
transmite una utopía visual y sensual.
Lee Krasner comenzó su trayectoria artística en la adolescencia, fue la primera en dotar a su
obra de un estilo absolutamente abstracto, lo que la convirtió en un referente del expresionismo
abstracto americano. Trabajaba en ciclos de obras, buscando incansablemente nuevos medios
para alcanzar una expresión auténtica, fundamentalmente en su estudio y durante cincuenta
años.
En 2021 “Alice Neel las personas primero”, el titulo de la exposición define a una de las artistas
más radicales del siglo XX, defensora de la justicia social, del humanismo y de la dignidad de
las personas. Sus obras reflejan el espíritu de una época en Nueva York, centrándose en
quienes habían experimentado la injusticia, así como en aquellos que la combatían. El arte le
permitió hacer una declaración de principios pintando a personas de muy diferentes orígenes y
condiciones sociales.
En 2022 “Del fauvismo al surrealismo, obras maestras del Musée d’Art Moderne de Paris”
Desde principios del siglo XX hasta después de la segunda guerra mundial, se desarrollaron
movimientos artísticos fundamentales en la historia del Arte, como el fauvismo, el cubismo, y el
surrealismo, que cambiaron la forma de ver y de interpretar el paisaje, la naturaleza, y la figura
humana, en el intervalo de las dos grandes contiendas mundiales, artistas de distintos países
confluyeron en la capital francesa y crearon la Escuela de Paris, en ese mismo periodo, en
1924, el poeta André Bretón funda y lidera el Surrealismo. En la exposición estuvieron los
artistas más relevantes de la época y más representativos de estos estilos, entre otros: Derain,
Delauny, Matisse, (fauvismo) Braque, Picasso (cubismo), Ray, Chirico, Picabia (surrealismo).
Junto con la pintura y la escultura, se ha obsequiado al público con otras propuestas estéticas,
como la moda, que contó con Armani el mago de los diseños en tela, las motos, donde estuvo
presente Dennis Hopper, recordando por su aspecto al inquietante personaje de su mitica
pelicula “Easy rider”, y Jeremy Irons que se vistió de cuero negro para la ocasión, los
automóviles pertenecientes a Norman Foster, el otro artífice junto con Frank Ghery de la
modernidad de la urbe de Bilbao, en la espectacular colección del arquitecto británico,
sobresalían, el primer coche de la historia, un “escarabajo” de 1886, el Aston Martin de algunas
de las películas de la serie de James Bond, y el Fórmula 1 de Hamilton, siete veces campeón
del mundo.
El impacto económico del Museo ha rebasado todas las expectativas, asimismo ha
proporcionado un aumento considerable en la tasa de empleo con puestos fijos y de calidad,
por último no hay que olvidar la función didáctica que ha llevado a cabo con colegios y centros
educativos. Por todo esto, por su relevancia para la ciudad en que se ubica y por su aportación
al Arte y la cultura universales, es de justicia, en este veinticinco aniversario, dedicarle dos
palabras al Museo Guggenheim Bilbao, ¡Felicidades y gracias!.